ESPECIAL 15 DE DICIEMBRE 2025 Supertramp "Brother Where You Bound 1985"

Brother Where You Bound (1985) – Supertramp

La Edad de la Desconfianza

Tras la marcha de Roger Hodgson en 1983, muchos consideraban que Supertramp no podría sobrevivir sin una de sus dos voces y plumas principales. Brother Where You Bound fue la respuesta del grupo a ese desafío, un álbum que no solo demostró que podían reinventarse, sino que también ofreció una obra inusualmente ambiciosa para la década de los 80, cuando el rock progresivo clásico estaba en retroceso.

Lo que Supertramp produjo aquí fue una mezcla audaz de rock progresivo, crítica política, experimentación sonora y un sentido de continuidad conceptual que contrastaba fuertemente con los trabajos más pop de principios de los 80.

EXPLORA ESTA OBRA DE ARTE EN EL BLOG DEL SR.X, Y COMO SIEMPRE NO TE PIERDAS LOS BOOTLEGS DE ESTA GIRA, LA PRIMERA SIN ROGER HODGSON..........

ESPECIAL NOVIEMBRE 2025 Robert Plant "Mighty ReArranger 2005"

Robert Plant – Mighty ReArranger (2005)
El viaje interior de un viejo chamán del rock

Hay artistas que envejecen con sus discos, y otros que los usan para desafiar al tiempo. Robert Plant pertenece a este segundo grupo. En Mighty ReArranger, publicado en 2005 junto a su banda The Strange Sensation, Plant no intenta ser el dios dorado de los setenta. Aquí no hay dragones, ni guitarras que rugen como tormentas. Lo que hay es un hombre maduro, curioso, inquieto, que mira al mundo con asombro y duda a partes iguales.

Desde el primer acorde de “Another Tribe”, se nota que el viaje será distinto. La percusión suena como arena golpeando una tienda en medio del desierto, mientras la voz de Plant flota entre guitarras que parecen venidas del Magreb. El rock, el blues y el misticismo árabe se funden en algo vivo, respirante. No hay artificio: todo vibra. Plant suena cómodo en su piel. Ya no grita para dominar la canción; la acaricia, la susurra, la deja respirar.

NO TE PIERDAS EL ESPECIAL DEL SR.X DE ROBERT PLANT Y SU "Mighty ReArranger de 2005" UNA LOCURA DE DISCO. DESGLOSE, PORTADAS, GIRA, BOOTLEGS........... EL 15 DE NOVIEMBRE EN EL BLOG DEL SR.X.

Todas las canciones escritas por Robert Plant, Justin Adams, John Baggott y Liam Tyson.

«Another Tribe» 3:17

«Shine It All Around» 4:03

«Freedom Fries» 2:53

«Tin Pan Valley» 3:47

«All the Kings Horses» 4:20

«The Enchanter» 5:27

«Takamba» 4:06

«Dancing in Heaven» 4:26

«Somebody Knocking» 3:47

«Let the Four Winds Blow» 4:52

«Mighty ReArranger» 4:25

«Brother Ray» 8:58

Pistas adicionales en remasterización de 2007

N.º Título Duración

«Red, White and Blue» 3:11

«All the Money in the World» 3:12

«Shine It All Around» (Girls remix) 7:35

«Tin Pan Valley» (Girls remix) 6:20

«The Enchanter» (reconstrucción de Unkle) 6:50

ESPECIAL OCTUBRE 2025 - Electric Light Orchestra - "On the Third Day (1973)"

On the Third Day (1973) – Electric Light Orchestra “Entre el cielo y la tierra”

El año 1973 fue una etapa de transición para la Electric Light Orchestra, un grupo que aún estaba definiendo su identidad, pero que ya dejaba ver la ambición desmesurada de Jeff Lynne: unir el poder eléctrico del rock con la nobleza y dramatismo de la música clásica. Tras los primeros discos, que todavía llevaban la huella de Roy Wood (cofundador que pronto abandonaría), Lynne tomó definitivamente las riendas y convirtió a la banda en un laboratorio sonoro. Ese laboratorio cristalizó en On the Third Day, su tercer álbum de estudio.

Más que un disco, On the Third Day se siente como un lienzo donde el grupo intenta pintar con todas las gamas posibles: guitarras afiladas, chelos que rugen, violines que lloran, armonías vocales que parecen llegar desde el espacio. No es todavía el sonido redondo y accesible que vendría con Eldorado o A New World Record, pero sí un testimonio de un grupo que experimentaba sin miedo.

No te pierdas en el blog del Sr. X la nueva entrada dedicada a On the Third Day (1973) de Electric Light Orchestra. Un álbum donde la banda define su sonido sinfónico bajo la magia de Jeff Lynne. ¡Un viaje musical imprescindible para los amantes del rock clásico!

Rick Davies (1944-2025) D.E.P.

Rick Davies (1944-2025) fue músico, cantante y teclista británico, fundador y líder de Supertramp. Nació en Swindon, Inglaterra, y comenzó tocando la batería antes de descubrir su pasión por los teclados. En 1969 creó Supertramp junto a Roger Hodgson, logrando el éxito internacional con Crime of the Century (1974) y especialmente con Breakfast in America (1979), disco que lo consolidó como referente del rock progresivo y pop.

Su voz grave y su característico sonido al piano eléctrico Wurlitzer marcaron clásicos como "Bloody Well Right", "Goodbye Stranger" o "Cannonball". Tras la salida de Hodgson en 1983, Davies asumió el liderazgo total de la banda, con la que siguió grabando hasta 2002.

En lo personal, estuvo casado con Sue, quien también fue la mánager del grupo. En 2015 se retiró de los grandes escenarios al ser diagnosticado con mieloma múltiple, aunque siguió tocando en pequeños proyectos locales.

Falleció el 6 de septiembre de 2025, a los 81 años, en Long Island (Nueva York). Es recordado como el alma de Supertramp y una figura esencial en la historia del rock.

Os dejamos una de sus ultimas actuaciones con su banda Ricky and the Rockets, grabado en Long Island en 2024. 

Ricky and the Rockets, recorded on Oct. 12th, 2024, Stephen Talkhouse, Amagansett, Long Island, NY

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1 You Started Laughing  

2 Backwoods  

3 Still In Love  

4 Forever  

5 Nothin New Its The Same Old Thing 

6 My Babe 

7 From Now On 

8 Downstream

9 Goldrush

10 Bloody Well Right  Seventh Son  

11 Hoochie Coochie Man

12 I Just Wanna Make Love  

13 She Caught The Katy

14 Eyesight To The Blind

15 Don‘t You Lie To Me

16 Got My Mojo Workin‘

ESPECIAL SEPTIEMBRE 2025 “Exposed” – Mike Oldfield (1979)

 

“Exposed” – Mike Oldfield (1979)

"Paisajes Sonoros al Desnudo”

En 1979, Mike Oldfield era ya un músico consagrado gracias al éxito de Tubular Bells, Hergest Ridge y Ommadawn. Sin embargo, la presión de la fama y la timidez que siempre le acompañó lo mantenían alejado de los escenarios. Su mundo estaba en el estudio, entre cintas y múltiples instrumentos que solo él sabía coordinar como piezas de un puzle cósmico. Pero Virgin Records, su discográfica, quería verle salir a la carretera y demostrar en directo aquella magia de laboratorio. Y de ese pulso nació “Exposed”, un álbum en vivo que no fue simplemente un concierto: fue una especie de catarsis personal y artística.

El reto era enorme: trasladar al escenario la complejidad orquestal de sus discos, plagados de capas de guitarras, teclados, percusiones y voces. Oldfield reunió para la ocasión una formación impresionante con músicos de primera línea, como los percusionistas Morris Pert y Pierre Moerlen, el guitarrista Phil Beer, el teclista Peter Lemer y las cantantes Maddy Prior (de Steeleye Span) y Sally Oldfield, entre muchos otros. Era casi una pequeña orquesta de rock progresivo contemporáneo, con la que Mike podía dar vida a sus monumentales obras.

El álbum recoge grabaciones de esa gira europea de 1979. El título, Exposed, no fue casual: Oldfield se sentía desnudo, expuesto, obligado a salir de su refugio y mostrar su música sin la protección del estudio. Ese matiz emocional atraviesa todo el disco.

NO TE PIERDAS EL ESPECIAL EXPOSED DE SEPTIEBRE, EN EL BLOG DEL SR.X, CON LOS BOOTLEGS DE LOS CONCIERTOS DE LONDRES.

ESPECIAL AGOSTO 2025 Emerson, Lake & Palmer – In Concert (Montreal, 1977)

Emerson, Lake & Palmer – In Concert (Montreal, 1977)

"Sinfonía de lo Imposible: Emerson, Lake & Palmer en Concierto – 1977"

Aquel 26 de agosto de 1977, la ciudad de Montreal fue testigo de un espectáculo que parecía más propio del Olimpo que de un estadio de fútbol. Frente a más de 70.000 personas, Emerson, Lake & Palmer ofrecieron un concierto titánico en el Stade Olympique, dentro de su ambiciosa gira Works Tour, acompañados nada menos que por una orquesta sinfónica completa. El resultado de esa noche quedó inmortalizado dos años después en el álbum In Concert, una cápsula sonora que recoge tanto la magnificencia como las tensiones de aquella gira monumental.

Era el final de la década de los 70, y ELP, como se les conocía ya en abreviatura icónica, querían dejar claro que el rock progresivo no sólo podía competir con la música clásica… podía abrazarla, fundirse con ella, retarla y amplificarla. Para ello se embarcaron en un proyecto tan grandioso como imprudente: una gira con orquesta de más de 50 músicos, dirigida por el maestro Godfrey Salmon. Montreal fue uno de los pocos conciertos donde el plan se ejecutó tal y como había sido soñado.

No te pierdas este especial, con el concierto completo de Montreal conseguido por el Sr.X.

Ozzy Osbourne - Back To The Beginning [The Final Show July 5, 2025]

Birmingham ardía en emoción y nostalgia aquel 5 de julio de 2025 en Villa Park, bajo un cielo pesado y un aire cargado de esperanza. Era el día del concierto “Back to the Beginning”, el adiós monumental de Ozzy Osbourne y Black Sabbath, el último saludo de un icono que no se rindió.

Desde el principio, el estadio rugió con los acordes de actos legendarios del heavy metal: Metallica, Guns N’ Roses, Slayer, Pantera, Gojira, Alice in Chains, Halestorm, Lamb of God, Anthrax y Mastodon, entre otros, conformando una constelación sonora que encendía el alma. En ese torbellino de riffs y potencia, surgió Ozzy, ascético y decidido, coronado por un trono negro que le permitía cantar pese a su enfermedad.

Mientras entonaba “I Don’t Know”, “Mr. Crowley”, “Suicide Solution”, “Mama, I’m Coming Home” y “Crazy Train”, cada nota era una despedida teñida de valentía; especialmente emotivo fue “Mama, I’m Coming Home”, interpretado con dolorosa lucidez sabiendo que era su adiós. 

Y entonces, llegó el momento más esperado: tras décadas separados, Ozzy, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward –la formación original– se unieron en el escenario por última vez, con “War Pigs”, “N.I.B.”, “Iron Man” y “Paranoid” como despedida épica. 

El concierto no fue sólo música: fue un ritual colectivo. Con la dirección musical de Tom Morello, se diseñó un espectáculo de diez horas, con escenario giratorio y supergrupos en vivo; se agotaron 45 000 entradas en 16 minutos y millones más lo vieron en streaming. 

Lo recaudado,140 millones de libras, se destinó a causas cercanas a Ozzy: el hospital infantil de Birmingham, Acorns Children’s Hospice y Cure Parkinson’s.

Antes de morir, Ozzy compartiría en Instagram un post silencioso: un pasillo tras las bambalinas, con un cartel que decía “Back to the Beginning – The Final Show”, acompañado solo de “Mr. Crowley”. Muchos lo interpretaron como una despedida delicada, digna del artista que siempre fue.

Y apenas 17 días después, el 22 de julio de 2025, Ozzy Osbourne fallecía. Un infarto, agravado por su enfermedad, puso fin a la vida de una leyenda del heavy metal. 

Este concierto fue más que un evento: fue un testamento. Ozzy, sentado en su trono, rodeado de amigos, pintó un epílogo tal vez solemne pero también orgulloso lleno de fuego y gratitud. En su último acto, regresó al inicio, a Birmingham, a la raíz misma del sonido que cambió el mundo.

Os dejamos el setlist de OZZY y BLACK SABBATH.

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Tracklist:

01 – O Fortuna (intro)

02 – I Don’t Know

03 – Mr. Crowley

04 – Suicide Solution

05 – Mama, I’m Coming Home

06 – Crazy Train

07 – Sabbra Cadabra (tape)

08 – War Pigs

09 – N.I.B. (with band introductions)

10 – Iron Man

11 – Paranoid

ESPECIAL JULIO 2025 CAMEL Stationary Traveller (1984)

“Stationary Traveller” de Camel (1984) — La crónica de un exilio emocional

Hay discos que están destinados a dejar una huella más profunda en el alma de aquel que los descubre. Stationary Traveller, de 1984, es sin duda uno de ellos. Ese LP de Camel —la banda de progressive rock de Andrew Latimer— es más que música: es el reflejo de un paisaje emocional, de sueños rotos, de muros que dividen mundos pero también corazones, de exiliados sin lugar en el que dejar atrás el pasado.

Eso sí, antes de embarcarnos en el viaje de Stationary Traveller, primero hay que ubicarnos en el contexto en el que nació. A mediados de los 80, Europa vivía en plena Guerra Fría. Alemania estaba literal y metafóricamente partida en dos, el Muro de Berlín era el límite más visible de aquel orden de posguerra. Ese paisaje de desconfianza, de familias separadas, de sueños en suspenso, se deja sentir en cada nota del álbum.

Además, para la propia banda el período era de transición. La formación de Camel estaba debilitada, con salidas de miembros fundacionales y problemas financieros. Andrew Latimer —el alma de la banda— estaba casi solo pero más determinado que nunca a dar forma a una música que reflejara tanto el entorno como el paisaje de sentimientos en el que vivía.

Así nació Stationary Traveller: más que un simple álbum de rock progresivo, es casi la banda sonora de una película sin imágenes, en la que el protagonista es alguien sin lugar, sin raíces, que descubre en cada pieza musical el reflejo de una herida colectiva pero también íntima.

🔹 SETLIST – Stationary Traveller (álbum de 1984):

1️⃣ Pressure Points (2:10) — Instrumental de apertura, muy emotivo pero también lleno de tensión.

2️⃣ Refugee (3:47) — Un tema más melódico, con voces de Andrew Latimer.

3️⃣ Vopos (5:32) — Profundiza en el estilo más teatral de aquel album, jugando con voces, sintetizadores y una base más pesada.

4️⃣ Cloak and Dagger Man (3:55) — Canta Chris Rainbow, más enérgico y de estilo pop-progresivo.

5️⃣ Stationary Traveller (5:34) — La pieza homónima, totalmente emotiva, con una de las mejores interpretaciones de guitarra de Latimer en toda la discografía de Camel.

6️⃣ West Berlin (5:19) — Otra pieza más urbana, más eléctrica, que pone en evidencia el paisaje de aquel Berlín dividido en plena guerra fría.

7️⃣ Fingertips (4:29) — Más directa, más emotiva, casi una power ballad pero sin dejar atrás el estilo progresivo de la banda.

8️⃣ Missing (4:04) — Instrumental melancólico, más tranquilo pero muy intenso en sentimientos.

9️⃣ After Words (1:55) — Pequeña pieza de transición, también instrumental.

🔹 Long Goodbyes (5:14) — La última canción, emotiva, de despedida, deja una sensación de triunfo pero también de resignada melancolía.

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ESPECIAL JUNIO 2025 "Alan Parsons On Air" (1996)

Lanzado en 1996, On Air es el segundo álbum de estudio que Parsons firma en solitario, tras Try Anything Once (1993), y se siente como una continuación lógica, aunque con un enfoque más conceptual. Aquí, cada pista es una pieza cuidadosamente ensamblada en una narrativa que atraviesa épocas, desde los primeros sueños de Ícaro hasta la exploración espacial.

Blue Blue Sky 0:46

Too Close To The Sun 5:12

Blown By The Wind 5:22

Cloudbreak 4:41

I Can't Look Down 4:32

Brother Up In Heaven 3:57

Fall Free 4:20

Apollo 6:05

So Far Away 4:05

One Day To Fly 6:13

Blue Blue Sky 4:23

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ESPECIAL MAYO 2025 "Supertramp – Crisis? What Crisis? (1975)"

Supertramp – Crisis? What Crisis? (1975)
El álbum que no busco salvar al mundo, solo acompañarte mientras todo se iba a la mierda.

Crisis? What Crisis? es el cuarto álbum de estudio del grupo británico Supertramp, publicado por la compañía discográfica A&M Records en septiembre de 1975. El álbum, que contó con la producción de Ken Scott al igual que en Crime of the Century, fue el primer trabajo del grupo grabado en los Estados Unidos, con varias sesiones organizadas en los A&M Studios de Los Ángeles. Obtuvo un éxito inferior a Crime of the Century al llegar al puesto veinte en la lista británica UK Albums Chart y al puesto 44 en la estadounidense Billboard 200.

Tanto el título como el concepto de la portada fueron ideados por Davies, tal y como relató John Helliwell: «Fue Rick a quien se le ocurrió el nombre de Crisis? What Crisis?, y un día, mientras estábamos sentados en Scorpio Studios, entró con ese bosquejo de un hombre sentado en una silla debajo de una sombrilla con todo ese caos alrededor de él».​ Crisis? What Crisis? aparece también en la película Chacal.

En junio de 2002, A&M Records reeditó una versión remasterizada de Crisis? What Crisis? junto al resto del catálogo musical del grupo entre 1974 y 1987.

Todas las canciones escritas y compuestas por Rick Davies y Roger Hodgson.

Cara A

«Easy Does It» Roger Hodgson 2:18

«Sister Moonshine» Roger Hodgson 5:14

«Ain't Nobody But Me» Rick Davies 5:14

«A Soapboax Opera» Roger Hodgson 4:54

«Another Man's Woman» Rick Davies 6:16

Cara B

«Lady» Roger Hodgson 5:24

«Poor Boy» Rick Davies 5:07

«Just a Normal Day» Rick Davies 4:02

«The Meaning» Roger Hodgson 5:23

«Two of Us» Roger Hodgson 3:27

Supertramp

Rick Davies: voz y teclados

John Helliwell: saxofón y coros

Roger Hodgson: voz, guitarras y teclados

Bob C. Benberg: batería y percusión

Dougie Thomson: bajo

Equipo técnico

Ken Scott: productor musical

John Jansen: ingeniero de sonido

Ed Thacker: ingeniero asistente

Richard Hewson: orquestación

Jay Messina: remasterización

Greg Calbi: remasterización

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ESPECIAL ABRIL 2025 "PINK FLOYD "ANIMALS"

Animals: La Furia de Pink Floyd Contra el Mundo

Historia y Bootleg en el link

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ESPECIAL MARZO 2025 "PINK FLOYD "Meddle"

Pink Floyd "Meddle": El puente hacia la grandeza

Hablar de Meddle (1971) es sumergirse en un punto de inflexión para Pink Floyd, un álbum que sirvió de trampolín entre la experimentación psicodélica de sus primeros años y la grandeza conceptual que alcanzaron en la década de los 70. No es tan reconocido como The Dark Side of the Moon (1973) o Wish You Were Here (1975), pero es un disco crucial para entender la evolución de la banda. Es una obra de contrastes, de momentos etéreos y pasajes arrolladores, que parece tantear el terreno de lo que está por venir.

Meddle es el sexto álbum de estudio de Pink Floyd, lanzado en octubre de 1971. Se grabó en varios estudios de Londres, incluyendo Abbey Road, en un contexto de falta de material nuevo y sin una dirección clara, lo que llevó a la banda a experimentar para encontrar ideas, especialmente para la pieza clave: “Echoes”. A diferencia de futuros álbumes centrados en conceptos de Roger Waters, Meddle fue un trabajo grupal con aportes de todos los miembros.

La grabación se extendió de diciembre de 1970 a agosto de 1971, intercalada con giras. Fue bien recibido por la crítica británica y tuvo éxito en el Reino Unido, pero sufrió bajas ventas en Estados Unidos debido a una débil promoción.

Durante las sesiones, Pink Floyd experimentó con grabaciones en distintos estudios, buscando un sonido más flexible que el que ofrecían las ocho pistas de Abbey Road. Estos ensayos dieron origen a ideas como el “ping” de teclado que abre “Echoes” y el proceso de grabación por fragmentos, facilitado por la tecnología de multipistas.

Canciones como “One of These Days” surgieron de líneas de bajo en ostinato de Roger Waters, y en esta pieza Nick Mason aportó su única línea vocal en la historia de la banda. El álbum mezcla temas instrumentales, canciones de amor suaves (como “A Pillow of Winds”) y piezas experimentales, incluyendo “Seamus”, una curiosa mezcla de blues y ladridos de perro.

La portada, una imagen de una oreja bajo el agua, fue idea de Storm Thorgerson, aunque él mismo la consideró una de las peores de Pink Floyd. El título Meddle juega con el sonido de las palabras "medal" (medalla) y "meddle" (entrometerse).

Pese a las reseñas mixtas en su momento, con críticas divididas entre elogios y opiniones más tibias, Meddle es ahora considerado un trabajo clave en la evolución de Pink Floyd hacia su sonido clásico. Fue certificado oro en 1973 y doble platino en 1994, impulsado por el éxito posterior de la banda.

En resumen, Meddle es un álbum experimental, diverso y fundamental en la transición de Pink Floyd hacia obras conceptuales más ambiciosas, destacando especialmente por la épica “Echoes”.

Desde la primera escucha, Meddle deja claro que Pink Floyd está en plena transición. Atrás queda la influencia de Syd Barrett, pero todavía no han llegado a la perfección sonora de sus obras maestras. Es un álbum que juega con las texturas, con los sonidos ambientales, con el progresivo que apenas estaba tomando forma. Y, sobre todo, es un disco que transmite sensaciones más que historias, que se mueve más por la intuición que por la estructura clásica del rock.

El sonido de un cambio

El álbum abre con "One of These Days", una pieza instrumental que se ha convertido en un clásico de la banda. Aquí se siente la influencia de los experimentos sonoros de la época, con un bajo hipnótico y procesado con delay que nos introduce en un torbellino sonoro. Es agresiva, con una energía contenida que estalla en los momentos precisos. La voz distorsionada que proclama "One of these days, I'm going to cut you into little pieces" le da un aire amenazante, casi cinematográfico. Es un inicio demoledor, y uno de los momentos más vibrantes del álbum.

Después de esta tormenta inicial, Meddle nos sumerge en un paisaje completamente distinto con "A Pillow of Winds". Aquí la banda se inclina por una atmósfera serena, casi pastoral, con guitarras acústicas que flotan suavemente. Es un tema que casi parece un susurro después del caos anterior, como si Pink Floyd quisiera recordarnos que también son capaces de evocar tranquilidad y belleza sin necesidad de grandes despliegues.

En "Fearless", la banda experimenta con cambios de ritmo y melodías relajadas que parecen anticipar el sonido de Wish You Were Here. La canción tiene un aire optimista, inusual para Pink Floyd, pero lo más llamativo es su cierre: la grabación de hinchas del Liverpool cantando "You'll Never Walk Alone". Este detalle, aparentemente insignificante, refuerza la sensación de que la banda está expandiendo sus horizontes, probando elementos poco convencionales.

"San Tropez" es probablemente el tema más inesperado del disco. Es casi una pieza de jazz ligero, con un aire desenfadado que rompe con la solemnidad habitual de Pink Floyd. No es de sus mejores composiciones, pero tiene un encanto despreocupado que la hace destacar. En cambio, "Seamus" es un desliz extraño: un blues con ladridos de perro que parece más una broma de estudio que un tema serio. No es que Pink Floyd no haya experimentado con el humor antes (o después), pero aquí se siente como un relleno.

"Echoes": la piedra angular

Y entonces llegamos a "Echoes", la pieza que define Meddle y que, por sí sola, justifica la existencia del álbum. Con sus 23 minutos, esta suite es el verdadero puente entre el pasado y el futuro de Pink Floyd. Comienza con un sonido etéreo, casi alienígena, gracias al "ping" de un piano procesado con efectos de delay. A partir de ahí, la canción se despliega en múltiples fases: momentos de rock progresivo melódico, pasajes espaciales, y un clímax apoteósico que se siente como una revelación.

"Echoes" es, en muchos sentidos, la versión prototipo de lo que la banda perfeccionaría en The Dark Side of the Moon. Su estructura es ambiciosa, pero todavía tiene un aire de improvisación que la hace sentir orgánica, casi como si fuera una creación en tiempo real. A diferencia de otras suites progresivas de la época, "Echoes" nunca se siente forzada ni pretenciosa; cada sección fluye con naturalidad, llevándonos de la mano a través de paisajes sonoros que parecen sacados de un sueño.

El punto medio de la canción, con sus sonidos abstractos y su atmósfera casi de ciencia ficción, es uno de los momentos más arriesgados del álbum. Es un recordatorio de que Pink Floyd sigue ligado a la experimentación, pero que ahora lo hace con una dirección más clara. Y cuando la canción retoma su melodía principal hacia el final, se siente como un renacimiento, un regreso a la luz después de haber vagado por el vacío.

TEMAS

1. «One of These Days»

GilmourWatersWrightMason

instrumental 5:57

2. «A Pillow of Winds»

GilmourWaters

Gilmour 5:13

3. «Fearless» (including «You’ll Never Walk Alone»)

GilmourWaters

(including Rodgers, Hammerstein II) , Gilmour 6:08

4. «San Tropez» Waters Waters 3:44

5. «Seamus»

GilmourWatersWrightMason

Gilmour 2:15

6. «Echoes»

WrightGilmourWatersMason

Gilmour and Wright 23:31

Pink Floyd

David Gilmour – electric guitars (1-4, 6), acoustic guitars (2-3, 5), bass (in unison with Waters) (1), harmonica (5), lead vocals (2, 3, 5, 6)

Roger Waters – bass (all tracks), acoustic guitar and lead vocals (4)

Nick Mason – drums (1, 3-4), percussion (2-4, 6), vocal phrase (1)

Rick Wright – Hammond organ (1-2, 6), piano (1, 3-6), Farfisa organ (6), treated piano (1, 6), co-lead vocals (6), EMS VCS 3 (1)

TAMBIEN.-

Rob Black – engineering (Morgan Studio)

Peter Bown – engineering (Air and EMI Studios)

Bob Dowling – outer sleeve photos

James Guthrie – remastering

Hipgnosis – band photo

John Leckie – engineering (Air and EMI Studios)

Tony May – inner sleeve photos

Pink Floyd – album cover design

Roger Quested – engineering (Morgan Studio)

Doug Sax – remastering

Seamus the Dog – vocals on «Seamus»

Storm Thorgerson – design 

Un álbum infravalorado pero esencial

Meddle no tiene un concepto unificador ni una historia clara, pero es un álbum que captura a la perfección un momento de transición. Es el sonido de una banda encontrando su identidad definitiva, explorando sus límites sin las restricciones de la industria o las expectativas del público. No es perfecto, pero en sus imperfecciones radica su encanto: es un álbum vivo, en constante movimiento, lleno de riesgos y momentos inolvidables.

Puede que no tenga la fama de los discos que vinieron después, pero sin Meddle, Pink Floyd no habría sido el mismo. Es el álbum que preparó el camino para su etapa dorada, y "Echoes" es la prueba definitiva de que la banda estaba a punto de alcanzar su máxima expresión artística. Si The Dark Side of the Moon es la obra maestra pulida y perfecta, Meddle es el boceto fascinante que la hizo posible. Y eso lo convierte en un álbum imprescindible.

El álbum "Meddle" de Pink Floyd, lanzado originalmente el 5 de noviembre de 1971, ha sido objeto de varias reediciones a lo largo de los años. Una de las más destacadas fue realizada por Mobile Fidelity Sound Lab, que publicó una versión en LP remasterizada y, en abril de 1989, una edición en CD de oro en su formato "Ultradisc". Además, el álbum se incluyó en la caja recopilatoria "Shine On", lanzada el 2 de noviembre de 1992. 

Según el sitio Discogs, existen más de 675 versiones de "Meddle", que abarcan diferentes formatos, países y años de lanzamiento. Estas incluyen ediciones en vinilo, CD y otras variantes, tanto oficiales como no oficiales. 

En España, "Meddle" se lanzó en 1971 bajo el sello Harvest con la referencia 1J 064-04.917. 

Es importante tener en cuenta que algunas ediciones no oficiales, como ciertos picture discs, están bloqueadas para su venta en plataformas como Discogs debido a restricciones legales. 

La gira de Meddle (1971) de Pink Floyd fue un punto de inflexión en la evolución de la banda. Aunque no fue una gira formal exclusivamente dedicada a este álbum, las presentaciones de la época reflejaban una transición crucial en su sonido: del rock psicodélico experimental de finales de los 60 hacia el estilo progresivo que los definiría en la década siguiente.

Un Viaje Sonoro y Visual

Durante los años 1971 y 1972, Pink Floyd recorrió Europa y América del Norte, llevando su música a escenarios que iban desde teatros íntimos hasta grandes arenas. En estos conciertos, las canciones de Meddle, especialmente Echoes, se convirtieron en piezas centrales de su repertorio en vivo.

Las presentaciones de Echoes eran hipnóticas: una odisea de más de 20 minutos en la que los efectos de sonido, las guitarras etéreas de David Gilmour y la batería precisa de Nick Mason se combinaban con los característicos sintetizadores y órganos de Richard Wright. Roger Waters, con su bajo pulsante y su presencia en el escenario, le daba cohesión a la experiencia. Para muchos, estos conciertos eran más que simples espectáculos; eran viajes inmersivos donde la música y la iluminación envolvían al público en una atmósfera surrealista.

La Magia del Momento

Uno de los conciertos más memorables de esta época tuvo lugar en Pompeya, aunque en un formato único: sin público. En octubre de 1971, la banda grabó Pink Floyd: Live at Pompeii, un espectáculo filmado en el anfiteatro romano vacío, donde solo el viento y la historia milenaria acompañaban su música. Este concierto capturó la esencia de Meddle: una obra introspectiva y cinematográfica que evocaba tanto la inmensidad del cosmos como la profundidad del alma humana.

La Evolución del Sonido

En el transcurso de la gira, la banda también comenzó a probar material nuevo, algunas de las primeras semillas de lo que eventualmente se convertiría en The Dark Side of the Moon. La experimentación con sintetizadores, la fusión de sonidos ambientales y los cambios de dinámica en sus composiciones hicieron de estos shows un laboratorio sonoro en constante transformación.

El público que asistió a estos conciertos no solo vio a Pink Floyd en acción, sino que fue testigo del nacimiento de una era. La gira de Meddle no fue la más famosa ni la más extensa de su carrera, pero representó el momento en el que la banda dejó de ser simplemente un grupo de rock experimental para convertirse en arquitectos de experiencias musicales únicas e inolvidables.

BOOTLEGS

Pink Floyd 1971-10-17 - From Oblivion - Golden Hall, San Diego, California

El concierto de Pink Floyd del 17 de octubre de 1971 en el Golden Hall de San Diego, California, fue un momento crucial en la evolución de la banda. Este show, conocido como "From Oblivion", capturó a Pink Floyd en un periodo de transición creativa, justo después del lanzamiento de su álbum "Meddle" ese mismo año.

La actuación incluyó material de "Meddle", como la épica "Echoes". Esta pieza de 23 minutos habría sido un punto culminante del concierto, llevando a la audiencia a un viaje sónico con sus atmósferas etéreas y pasajes experimentales. La interpretación en vivo de "Echoes" permitió a la banda expandir aún más los límites de la canción, aprovechando la energía del público para crear un momento verdaderamente inmersivo.

Otro tema de "Meddle" fue "One of These Days", con su distintivo bajo pulsante y efectos de sonido hipnóticos.

El concierto también incluyó temas más antiguos como "Careful With That Axe, Eugene", "Set The Controls For The Heart Of The Sun" y "Atom Heart Mother", demostrando cómo la banda estaba fusionando su pasado psicodélico con su emergente sonido progresivo.

La atmósfera en el Golden Hall debió ser eléctrica. Los fans, ansiosos por escuchar el nuevo material, se habrían maravillado con la evolución sonora de la banda. El uso innovador de la tecnología de sonido y los efectos visuales, característicos de Pink Floyd, seguramente elevaron la experiencia a un nivel casi trascendental.

Este concierto no solo fue un escaparate del nuevo material de Pink Floyd, sino también un vistazo al futuro de la banda. Las semillas de lo que se convertiría en "The Dark Side of the Moon" ya estaban presentes en su música y enfoque creativo. Para los afortunados asistentes, fue una noche que quedó grabada en sus memorias, un momento en el que fueron testigos de una banda en el umbral de la grandeza, explorando nuevos territorios sonoros y empujando los límites de lo que era posible en un concierto de rock.

TEMAS

1-1 Careful With That Axe, Eugene 13:01

1-2 Fat Old Sun 15:58

1-3 Atom Heart Mother 16:03

1-4 The Embryo 12:00

1-5 Set The Controls For The Heart Of The Sun 13:00

2-1 Cymbaline 11:43

2-2 One Of These Days 6:00

2-3 Echoes 24:00

2-4 A Saucerful Of Secrets 6:27

2-5 Green Is The Colour 5:53

2-6 Floyd's Blues 5:09

Pistas 1-1 a 2-1, 2-6: grabadas en vivo en Community Concourse, San Diego, EE. UU., 17 de octubre de 1971.

Pistas 2-2 a 2-3: grabadas en vivo en Paris Cinema, Londres, Reino Unido, 30 de septiembre de 1971.

Pista 2-4: grabadas en vivo en 201 Piccadilly Studio 1, Londres, Reino Unido, 25 de junio de 1968.

Pista 2-5: grabadas en vivo en BBC, Paris Cinema, Londres, Reino Unido, 12 de mayo de 1969.

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Pink Floyd - One Of These Days • Live in London 1971

El concierto "Pink Floyd: Live in London 1971" es una grabación histórica que captura a la legendaria banda británica en un momento crucial de su evolución musical. Aunque el título sugiere que el evento tuvo lugar en 1971, en realidad corresponde a una actuación en el Paris Theatre de Londres el 16 de septiembre de 1970, grabada para la serie "In Concert" de la BBC con John Peel como anfitrión. 

Este concierto destaca por la interpretación de piezas emblemáticas como "Atom Heart Mother", "If", "Embryo", "Green Is The Colour" y "Careful With That Axe, Eugene". La calidad del audio es notable, comparable a una producción oficial, lo que permite apreciar la destreza y creatividad de la banda en una etapa de transición hacia sonidos más experimentales. 

Un aspecto curioso de este periodo es la intención de Pink Floyd de ofrecer experiencias más allá de la música en sus conciertos. Por ejemplo, en 1971, durante una presentación en el Crystal Palace Bowl de Londres, la banda intentó sorprender al público con un pulpo hinchable gigante que emergía del agua. Sin embargo, la situación se descontroló cuando los asistentes, entusiasmados, interactuaron con la instalación, causando daños y una escena caótica con peces muertos flotando en el estanque. 

En resumen, "Pink Floyd: Live in London 1971" es un testimonio valioso de la evolución artística de la banda, mostrando su habilidad para fusionar música y espectáculo, y su constante búsqueda por ofrecer experiencias únicas a su audiencia.

TEMAS

Pink Floyd - One Of These Days • Live in London 1971

1 John Peel Intro 0:41

2 Fat Old Sun 14:15

3 John Peel Intro 0:37

4 One Of These Days 6:51

5 John Peel Intro 0:26

6 Embryo 10:23

7 John Peel Intro 0:21

8 Echoes 26:33

9 Blues 4:52

Bonus Track

10 Astronomy Domine 8:35

Pistas 1 a 9 - en concierto, Paris Theatre (Paris Cinema), Londres, 30 de septiembre de 1971.

Pink Floyd promocionando su nuevo álbum 'Meddle'.

Pista 10 grabada en The Roundhouse, Chalk Farm, Londres. 17 de enero de 1971.

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ESPECIAL FEBRERO 2025 "DEEP PURPLE Come Taste The Band"

 

"Come Taste the Band" Deep Purple – El rugido final de una era.

Cuando Deep Purple lanzó Come Taste the Band en 1975, la banda ya había pasado por varias transformaciones, pero este álbum marcó un cambio aún más radical: era el único sin Ritchie Blackmore, reemplazado por Tommy Bolin. Para muchos fans, la idea de un Deep Purple sin Blackmore era difícil de aceptar, pero lo cierto es que este disco, aunque diferente, tiene su propio encanto.

Desde el inicio con "Comin’ Home", queda claro que Bolin trajo un sonido más funky y groovy a la banda. Su estilo es menos neoclásico y más cercano al blues-rock con tintes soul, lo que le da un aire fresco a la música de Purple. Glenn Hughes, cada vez con más protagonismo, empuja aún más ese sonido funky, mientras que David Coverdale demuestra por qué era una de las mejores voces de la época.

Canciones como "Gettin’ Tighter" reflejan perfectamente esa fusión de hard rock con funk, mientras que "You Keep on Moving", con su atmósfera melancólica y envolvente, es probablemente el tema más recordado del álbum. Bolin brilla en "Owed to 'G'", un instrumental que muestra su sensibilidad como guitarrista, aunque sin la agresividad característica de Blackmore.

El problema de Come Taste the Band no es la falta de calidad, sino que suena más a una banda nueva que a Deep Purple. Hay momentos en los que sientes que estás escuchando un proyecto paralelo de Coverdale, Hughes y Bolin, en lugar de los creadores de Machine Head o In Rock. Además, las tensiones internas y el abuso de sustancias jugaron en contra, afectando la cohesión del grupo.

En retrospectiva, este álbum es injustamente subestimado. No es el clásico sonido de Purple, pero tiene grandes momentos y una energía distinta que merece ser apreciada. No salvó a la banda del colapso, pero dejó claro que incluso en su última fase antes de separarse, Deep Purple seguía dispuesto a experimentar.

 

Tommy Bolin, el joven guitarrista estadounidense que se unió a Deep Purple en 1975, dejó una huella indeleble en el álbum "Come Taste the Band". Su llegada trajo consigo una ola de frescura y versatilidad que transformó el sonido característico de la banda británica.

Bolin era un torbellino de creatividad y energía. Su estilo, forjado en las jam sessions de jazz y en los escenarios del rock duro, fusionaba elementos de funk y soul con el hard rock que había definido a Deep Purple. Esta mezcla explosiva dio como resultado un álbum que sorprendió tanto a fans como a críticos.

En el estudio, Bolin era pura magia. Sus dedos volaban sobre las cuerdas, creando solos electrizantes que parecían desafiar la gravedad. Pero no era solo técnica; cada nota estaba impregnada de emoción y espontaneidad. La banda se contagió de su entusiasmo, y las sesiones de grabación se convirtieron en momentos de pura alquimia musica.

Sin embargo, la historia de Bolin con Deep Purple no fue un cuento de hadas. Su lucha contra las drogas añadió un elemento de caos a la dinámica del grupo. En el escenario, podía ser brillante una noche y errático la siguiente. Esta inestabilidad, aunque problemática, también aportó un elemento de imprevisibilidad y emoción a las actuaciones en vivo.

A pesar de los desafíos, "Come Taste the Band" sigue siendo un testimonio del talento y la visión musical de Bolin. Su breve paso por Deep Purple dejó una marca indeleble, demostrando que a veces, los cambios más audaces pueden producir los resultados más sorprendentes.

Del mismo modo que Stormbringer, Come Taste the Band estuvo fuera de catálogo durante más de veinte años en los EE. UU., pero fue relanzado el 31 de julio de 2007 en este país junto con Made in Europe y Stormbringer.

Come Taste The Band: 35th Anniversary Edition       

Las principales diferencias entre la versión original de "Come Taste The Band" y la edición del 35 aniversario son:

Remasterización: La edición del 35 aniversario incluye una versión remasterizada del álbum original, lo que mejora la calidad de sonido.

Contenido adicional: La edición especial es un set de dos discos, mientras que el original era un solo álbum.

Bonus tracks:

Disco 1: Incluye la versión single de "You Keep On Moving" como pista adicional.

Disco 2: Contiene dos pistas extra: "Same in L.A." y "Bolin/Paice Jam".

Remixes: El segundo disco incluye remixes del álbum original realizados por Kevin Sherley.

Material visual: La edición del 35 aniversario viene con un libreto de 24 páginas que contiene la historia completa de la creación del álbum, fotos inéditas y reproducciones de pósters y memorabilia.

Presentación: Es probable que el empaque y la presentación física del álbum sean diferentes, reflejando su estatus de edición especial.

Contexto histórico: La edición del 35 aniversario proporciona una perspectiva histórica del álbum, situándolo en el contexto de la carrera de Deep Purple y su importancia en la discografía de la banda.

Estas diferencias hacen que la edición del 35 aniversario sea una versión expandida y mejorada del álbum original, ofreciendo a los fans y coleccionistas una experiencia más completa de "Come Taste The Band".

Gira Come Taste the Band

                Burn                         7:00

Love Child 4:42

You Keep On Moving 6:09

Wild Dogs 6:01

Lady Luck 3:07

Smoke On The Water 6:21

Soldier Of Fortune 2:22

Woman From Tokyo 3:59

Highway Star 6:46

La gira de "Come Taste the Band" y el adiós de una era

1975 fue un año de cambios para Deep Purple. Ritchie Blackmore, el mago de las seis cuerdas, había dejado la banda y su vacío parecía imposible de llenar. Pero la máquina no podía detenerse. Con la llegada de Tommy Bolin, un joven guitarrista estadounidense con un estilo más funky y experimental, Deep Purple se lanzó a una nueva aventura: la gira de Come Taste the Band.

Desde el primer show en noviembre del ‘75 hasta la desastrosa última fecha en marzo del ‘76, la gira fue una montaña rusa de emociones, música incendiaria y tensiones internas. La banda estaba en un punto crítico: David Coverdale y Glenn Hughes empujaban hacia un sonido más soul y funk, mientras que Jon Lord e Ian Paice intentaban mantener la esencia clásica de Purple. Tommy Bolin, por su parte, traía un aire fresco, pero también una lucha interna con sus demonios.

Los conciertos fueron una mezcla de momentos gloriosos y noches caóticas. Cuando todo encajaba, Deep Purple sonaba más dinámico y poderoso que nunca. Bolin aportaba solos llenos de color y Coverdale se hacía con el escenario como un verdadero frontman. Hughes, con su energía y su potente voz, añadía una dimensión nueva a los shows. Pero en otras noches, especialmente cuando las drogas pasaban factura, la banda se tambaleaba. En ciertas fechas, Bolin tenía problemas para tocar debido a su deteriorado estado de salud, lo que afectaba el rendimiento general.

El punto final llegó el 15 de marzo de 1976 en Liverpool. Fue un concierto marcado por el agotamiento y la tensión. Después de aquella noche, Ian Paice, Jon Lord y Coverdale decidieron que era suficiente: Deep Purple se desmoronaba y cada uno tomó su camino.

La gira de Come Taste the Band quedó como un capítulo agridulce en la historia de la banda. Fue el último suspiro de Deep Purple en los 70 antes de su disolución, y aunque el álbum y su gira fueron criticados en su momento, con el tiempo han sido reivindicados. Tommy Bolin, tristemente, no viviría para ver este reconocimiento; su vida se apagó prematuramente en 1976.

Pero más allá de las sombras, aquella gira dejó un legado: la prueba de que Deep Purple siempre fue más grande que sus integrantes individuales y que su esencia, aunque mutara, seguía latiendo fuerte en cada escenario que pisaron.

CONCIERTOS

Deep Purple -  Live At Long Beach Arena 1976

Deep Purple en Long Beach Arena, 1976: Una noche de fuego y virtuosismo

El 27 de febrero de 1976, la Long Beach Arena de California se convirtió en un santuario del hard rock. Deep Purple, ya consagrados como titanes del género, ofrecieron una noche inolvidable con su formación Mark IV, liderada por el vocalista David Coverdale y el guitarrista Tommy Bolin. Fue un concierto eléctrico, cargado de energía y virtuosismo, que dejó una huella imborrable en todos los presentes.

Desde los primeros acordes de "Burn", el público supo que iba a ser testigo de algo especial. Coverdale, con su imponente presencia escénica y su voz profunda y rasgada, encendió la audiencia desde el primer segundo. A su lado, Bolin, que tenía la difícil tarea de llenar los zapatos del legendario Ritchie Blackmore, demostró ser un guitarrista con un estilo propio: más blusero, más improvisador, pero igual de explosivo. Aunque su actuación tuvo algunos altibajos debido a problemas personales, su talento brilló en momentos clave, como en la majestuosa interpretación de "Lady Luck".

Glenn Hughes, el bajista y vocalista secundario, inyectó una dosis extra de soul y funk al repertorio, especialmente en "Gettin’ Tighter", donde su voz y la de Coverdale se entrelazaron en un duelo feroz y apasionado. Jon Lord, con su Hammond en llamas, entregó solos llenos de dramatismo y teatralidad, mientras que Ian Paice, siempre sólido y preciso, mantuvo el ritmo como un motor imparable.

El punto álgido del concierto llegó con "Stormbringer" y "Smoke on the Water", que desataron la euforia en la arena. Miles de voces coreaban al unísono, en un momento de comunión pura entre banda y público. "Highway Star" puso el broche final con una explosión de velocidad y adrenalina que dejó a todos sin aliento.

Más que un simple concierto, aquella noche en Long Beach Arena fue un reflejo de una era dorada del rock. A pesar de las tensiones internas y los desafíos que enfrentaba la banda, Deep Purple demostró por qué su legado sigue vivo hasta hoy. Fue una noche de fuego, pasión y, sobre todo, música en su estado más puro.

1-1 Intro 2:01

1-2 Burn

Written-By – David Coverdale, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore

7:37

1-3 Lady Luck

Written-By – David Coverdale, Ian Paice, Jeffrey Cook, Ritchie Blackmore, Tommy Bolin

3:06

1-4 Getting Tighter

Written-By – Glenn Hughes, Tommy Bolin

14:10

1-5 Love Child

Written-By – David Coverdale, Tommy Bolin

5:50

1-6 Smoke On The Water / Georgia On My Mind

Written-By [Georgia On My Mind] – Hoagy Carmichael, Stuart Gorrell

Written-By [Smoke On The Water] – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

8:58

1-7 Lazy

Written-By – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

16:43

1-8 Homeward Strut

Written-By – Tommy Bolin

5:56

2-1 This Time Around

Written-By – Glenn Hughes, Jon Lord, Tommy Bolin

4:25

2-2 Owed To G

Written-By – Glenn Hughes, Jon Lord, Tommy Bolin

2:53

2-3 Guitar Solo Tommy Bolin 10:33

2-4 Stormbringer

Written-By – David Coverdale, Ritchie Blackmore

11:37

2-5 Highway Star

Written-By – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

7:19

Bonus - Live In Springfield 1976

2-6 Smoke On The Water / Georgia On My Mind

Written-By [Georgia On My Mind] – Hoagy Carmichael, Stuart Gorrell

Written-By [Smoke On The Water] – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

9:41

2-7 Going Down

Written-By – Don Nix

7:44

2-8 Highway Star

Written-By – Ian Gillan, Ian Paice, Jon Lord, Ritchie Blackmore, Roger Glover

6:26

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Deep Purple - This Time Around, Live in Tokyo 1975

Era diciembre de 1975, y el legendario Budokan de Tokio se preparaba para recibir a una de las bandas más influyentes del rock: Deep Purple. Aunque la formación clásica ya no estaba completa—con David Coverdale en la voz y Glenn Hughes en el bajo y coros, reemplazando a Ian Gillan y Roger Glover—la energía que se vivió aquella noche fue de otro nivel.

Desde el primer acorde, quedó claro que este no sería un concierto cualquiera. Ritchie Blackmore, en una de sus últimas actuaciones con la banda antes de su salida, entregó solos electrizantes y llenos de furia, casi como si estuviera dejando una última marca imborrable en la historia de Deep Purple. Jon Lord, con su majestuoso teclado Hammond, tejía atmósferas únicas, mientras que Ian Paice mantenía la maquinaria en marcha con su batería precisa y poderosa.

Uno de los momentos más destacados fue la interpretación de Burn, que encendió al público desde el primer segundo con su riff arrollador. Coverdale y Hughes compartieron las voces con una química palpable, mostrando el contraste entre la voz grave y bluesera de Coverdale y los agudos casi estratosféricos de Hughes.

Sin embargo, la magia alcanzó su punto álgido con Mistreated, un blues pesado cargado de emoción en el que Coverdale dejó el alma en cada línea, mientras Blackmore esculpía notas llenas de melancolía y furia contenida. La interacción entre los músicos hacía que la canción se sintiera como un lamento crudo y auténtico.

A mitad del show, This Time Around/Owed to 'G' permitió que Hughes brillara con su virtuosismo vocal y una interpretación conmovedora al piano. Fue un instante de respiro antes de que la tormenta volviera con piezas como Stormbringer, que cerró la noche con una explosión de adrenalina y pura energía rockera.

El público japonés, siempre conocido por su respeto y admiración hacia los artistas, respondió con una ovación que parecía no terminar. Deep Purple, a pesar de estar en un momento de transición y tensiones internas, demostró que su música era más grande que cualquier conflicto. Esa noche en Tokio, la banda dejó una huella imborrable en la historia del rock, y este álbum en vivo es el testimonio de una era que, aunque turbulenta, nos regaló algunos de los momentos más apasionantes del género.

Burn 8:08

Lady Luck 2:58

Love Child 4:29

Gettin' Tighter 16:02

Smoke On The Water 9:31

Wild Dogs 6:05

I Need Love 5:47

Soldier Of Fortune 1:47

Jon Lord Solo 9:43

Lazy 13:07

This Time Around 3:38

Owed To G 3:29

Tommy Bolin Guitar Solo 7:09

Drifter 4:55

You Keep On Moving 5:59

Stormbringer 8:51

Highway Star 7:30

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